编者语：这篇文章是junchen一周前推荐，忙里偷闲花了些时间翻译了下，结果忙忘了今天才放出来。实在不好意思；对于logo设计样式的变化，预示着整个设计潮流的动向如何，甚至在很大程度上显示文化的走向；我们有必要了解一下所谓的趋势，至于趋势本身，也是仁者见仁智者见智的，但有些总结与比较还是值得瞅瞅的；触发的作用往往尤其重要，是提升的关键。

（原文出处：http://www.logoorange.com/logo-design-09.php ）

从目前的Logo样式中我们可以看出这样的信息——不惜任何代价的急欲脱颖而出、另人耳目一新。在我个人看来，web2.0的logo是极度失败的，但这种状态也许并不会持续太久。专于模仿的网站固然可以使用，但是一旦想要呈现个性特色，设计师就需要付出更多努力以备大干一场。
设计师对于历史运动及其风格的感受力、表现力比以往几年更为敏感，他们正在努力找寻使得Logo的设计更能体现民族性的方式。
极简抽象艺术是那些旋流、闪亮小球和其他偶然成像的精神支柱。然而我们正在目睹着极简抽象艺术的衰退，这种衰退又正在为引人瞩目的混音艺术的接管铺平着道路。
一种特定的样式不可能无缘无故的出现并无限期的处于潮流的顶端。logo设计的发展过程表明，潮流只具有短暂的生命周期，正经历着“看到时就已经过时”式的急转突变的局面。
新的趋势的兴起只会出现在持有相反观点的人们对其发出质疑之时。当该死的所谓模范泛滥之后，新的logo就很难再给人一种了不起的独创性感觉和工艺。
2009年会开创一些新的东西，有些试验性的，有些稀奇古怪的，更多的将会是新的稀有群体。强烈的视觉性和激情则是支配性主题。
视幻性流行背景

为了更注重于突出内容和实质，设计界依旧提倡削弱复杂性。尽管如此，不计其数的色彩和形状依然涌进画面。这种新的发展趋势再次导致了激烈的状况，即：将所有东西都铺陈出来，不对任何东西进行隐藏。
每次技术性的变革不可避免的诞生出一种夸大的反对文化。但是一种当代的形式在某种程度上可以说成是一种后现代手法，那就是通过以20世纪60年代的视幻效果模式作为背景将这两种对立的观点进行混合。
这种背景在向我们传达什么呢？你可以从中看出两部分信息：一是60年代的视幻效果，二是光学艺术。图层的使用揭示出Photoshop正在走矢量路线。这个趋势正因为心态和激情而变得更强烈。
视幻性流行背景使人想起花朵力量的时代，但他们超越了极其现代和非传统的思维定式。他们民主，不装模作样，从中看不到一点傲慢和势力。
今年绝大多数的趋势在印刷品中没有很好的被诠释。技术的发明和各种工具的运用使得黑白影印不再成为必然。一些客户开始意识到，一旦他们选择一种特定的趋势性方式表现时，他们有可能就使得logo的重要意义被移除，当被转换成黑白影像或被传真时，logo外观也会被有所蚕食。那这些客户注重的是什么呢？他们是想自己的logo在90%的媒介中，能获得具有表现力度的、色彩斑斓的惊人的视觉效果。

折纸艺术

想要回归本初的愿望在折纸艺术的主题中反映出来，设计师们通过折纸艺术去展示他们各异的技巧。

越来越多的设计师希望他们创作的作品可以具有实际的使用价值。折纸艺术是易损坏的，轻便的，含蓄的，数码程序也是这样。它与之前谈论的几何风格极其相似，但却更多的被视为亚潮流。然而，折纸艺术以其自己的方式正在演化为一种新的潮流，因为它是一种可以向更大范围的设计师进行展示的一种工艺流程。潮流不会持续很久，因为这个简单的原因，结果也往往相似。这种潮流的优势在于工艺流程，设计师们需要一些正确的工艺步骤的经验。尽管形式清晰简朴，logo还是会使设计师的风度更显著。基于折纸艺术风格的logo对于想用花押字作为图案的公司（两个或两个以上字母，通常是姓名的首字母，放在一起构成的图案）是个不错的选择。这种潮流使人联想起一种表达方式，“小巧但很精致”。Origami是日本的一种折纸艺术，其目的在于使用小的折起和褶痕表现易碎的和精致的对象。这对于 logo设计师们是一种挑战，也是设计师们花费大量时间和精力想要设计出一种尊重对象客观性的Logo的原因。这种logo能够通过精微去表现烦复。这也是为什么尽管稍微表现，设计师的风度就会被强烈体悟的原因。

触感式logo

当你看到字母装置从各种各样的原材料中被精巧的制作出来然后被拍成照片，你会触发怎样的感慨？会感到很“酷”吗？会不会感到很“性感”？ Tactile一词意指与触感有关的或者唤起触感的，但不是不明智的，笨拙的。像神韵这种不属于触感范畴的，则需要视觉进行弥补。

乐于试验可触感式logo的设计师们想要改变常规的现实生活中存在的手感。他们可以很好的使用自己喜欢的软件，但完成传统的剪切，绘画和黏贴任务也不在话下。事实上，想要使得触感式logo给予观看者的印象远远超出“可触摸”这一单纯层面，是需要一些杰出的策略的。神韵和性质需要超越触摸感觉的层面。

这项工艺流程即使对于非常有经验的平面设计师来说都具有很大的挑战性。从现实的材料中制造出印刷字体是一次不同寻常的经历，会有无数的可能性存在。设计师们会感到如同行走在未开荒的土地上，每一个创造都好像是一次意义重大的突破。活字装置被认为创造了一种特殊的情绪和氛围。这一结果将logo或活字设计中不常见的工艺和可触摸性唤醒了。

这绝对是一种天赋，设计师们是如此巧妙的控制这种触感特性，甚至让那些未曾受过训练的眼球也能体会到。触感式 logo从未停止激励过logo设计师们。有一种非常类型的logo，能够迫使他们撤回到他们心灵的私密处，将心灵深处的东西转化为具体的触动，无论这种触动是在金属上、纸上或是其他材质上。

阿拉伯式花饰

设计一个公司的企业形象时，使用例如阿拉伯语书法之类作为优化工具，看起来是很直截了当的方式。但直到你真正开始执行步骤的时候，你会发现这是一件棘手的事情。为什么呢？因为这种形式不可避免的需要大量的对于美的锻炼的直觉。设计师必须使他设计的logo体现出中东美的内涵。阿拉伯式花饰的使用就如同威严的一击，需要通过谨慎地处理以便使用于想要运用到的企业形象。

这一潮流的兴起伴随着具象图案的复兴，这一点设计师和非设计师们在前几年中就已经观察到了：在印刷品和电子版式中，复杂的图案构成完美的插图用以描绘激情。这种极好的创造直接来自于中东，但是美国和欧洲的设计师们很快就加以运用。阿拉伯式花饰这种方式是设计师追求独特性的很好的方法。对于古代书法和现代饰线字体的和谐交融完全奏效。你从中能收益到什么呢？那就是惊人的具有大众感染力的现代方式。大众诉求绝非低级的。

经典现代主义

在2008年经典现代主义重新成为一种风尚，就如许多人所认为的，经典现代主义是一种万无一失的方法，是一种“安全”的进行logo设计的方式。2009年将把我们带回古代的方式——就如同电脑从未被发明。

在经典现代主义中，我们有基本的形式，鲜明的对比，对于白色空间的巧妙运用，并形成以下的功能（在那个时代，形式倾向于追随激情）。

现代主义标识的焦点是关注最重要的，也就是说内容以及对于内容的实施是被关注的首要的指导性原则。毫无疑问，这些是可以被削弱的，但是妙就妙在它具有进行阐释的充足的空间。颜色和形状是少而有力的，幻灯片和摄影还没被发明。这些前提条件传达着值得信任、有保障和实用主义的信息，并且只需要使用极少的资源就能够完成。当设计界的其他人都在提倡“应该大声喊出来的”观念时，这是一种设计师使人们关注自己的方式。

象形文字

logo设计不应该只是实体，图像，颜色与形象的混合或者工艺程序制作，也可以是解决问题的一个过程。

我们正看到一种意味深长的圣像式融合的强烈的趋势，这种圣像形式以压缩的方式包括品牌的首要价值，品牌信息以及市场定位。象形文字是非言辞的，多种文化交流的支柱。正如在大学里所学到的那样，经典式设计的象形文字是极好的交流方式，用于帮助公司传达“这就是我”而不是“让我告诉你关于我的公司”的信息。

这种趋势在web2.0逐渐淡出设计界以后变得明显了。在那个时候，关注光鲜亮丽的圣像裱贴的背景而非关注圣像自身是更为重要的事情。

有时候，象形文字的目的在于传达公众价值。
象形文字可以追溯至好多年前，但当航空、城市规划和公共公园之类的服务业想用通用性的语言向市民们提供重要的、有帮助的信息的时候，象形文字才开始成为一种潮流。如果logo设计师们想使用象形文字，他们最好用在能起到作用的地方。视觉暗示在象形文字中至关重要。logo必须将自身以自然、清晰的信息方式呈现给观众，而不应该让人觉得需要一个视觉警探去对内容进行解码。当象形文字解释某个信息时应该不给观者压力；然而，logo设计师决不能忽略审美，新颖和恒久性。

80年代的几何教程

如果说图形设计里有什么绝对犯忌讳的，就是用多色系的复杂的几何图形来设计logo。

至于logo传真后的表现力是好是坏无关紧要，这种争论可以继续很久，但有一件事是明确的：这种复杂的几何形式还将会短暂的存在。

当这种80年代的风格第一次出现的时候是用于吸引顾客的注意，目的在于想要不惜任何代价的设计出一种全新的样式。

几年过去了，雄心勃勃的、以自我为中心的公司不注重于细心的展示自己公司产业的情况，而是对如怪兽一般的几何图形logo大肆吹捧运用。这些糟糕的图标使得公司的形象看起来如同几年前般的落伍，给人的感觉就是这个公司毫无优势可言，只可作为孩子们的玩物，因此没有被认真对待。但是机警的设计师们和品牌发展者开始认识到80年代这种几何风格的价值并加以运用。将这些标志运用上全部的色彩是件很有讽刺意味的事。在20世纪80年代几何图形风格的logo 全力抵御极简抽象艺术，亚设计和公众意愿式的简陋。同样具有讽刺意味的是，与其说它是被作为遵循2008年高科技3D几何设计方式而出现的，还不如说它就是最为流行的Rubic骰子的几何学原理。（这句话好像是说它不是潮流的结果，而是天生就存在在那儿的）。当然也有可能这种方式并不会有所发展，也不会被广泛的采用，可能它们在某些地方会引起轰动，让人感觉视觉污染或者说画面囊括不必要的因素，也可能是一种有效的传达信息的方式。也许它们缺少一些概念上的优美度但你得承认一点：它们是经过精密调配的，具有视觉稳定性，并且很难被复制。

排版式/字体logo

感觉有点晦暗、严肃？是的。时髦？不。

排版式/字体logo绝不会淡出设计师的视线，因为它们不但显得简洁而且有很强的视觉吸引力，是一种无声的优雅形式。作为点缀，字母间强有力的组合形式被频频使用。

排版式/字体logo的设计是指，将公司特性的本质和只能通过文字传达的公司宗旨融合的表达出来。这种设计方式并非如人们想像的是专为初出茅庐的logo设计师所采用，因为在公司理念和为了表现它所运用的恰当的字体编排风格之间，需要做到精致的平衡。

毫无疑问，有成千上万种字体可供设计师选择，但是好的设计师绝不会抵抗不住还未被广泛使用的字体的诱惑。而专业的logo设计师白手起家时的方式，就如同糕点厨师创造他的招牌点心。即使对成型的字体稍加修改也不能接受，这是一群狂热的热衷于印刷样式的用户群的观念。排版式/字体logo将始终如一的展示企业风格、文化和纯粹性。字体必须具备适应性，特别是有很多种式样可供选择的时候。然而，当印刷技术不能体现技巧和才能的时候，再好的标志也显得掺杂难辨，其余的图形要素的质感也会直线下降。

街头艺术

当你听到“街头艺术”时，脑中会想到手绘图形。运用街头艺术作为背景的技艺高超的绘图者艺术性的将墙壁喷绘改成了Illustrator bezier工具。

很多人将街头艺术当成是一种绿色的方式，是从电脑数字艺术中的解脱。

街头艺术式的logo一直在我们身边存在着，迹象表明它们还将继续存在。对于极限运动的生产者和运动品牌的机器和服饰的制造商来说，它们是比较受欢迎的媒介方式。当抽象派作品正在走下坡路，但人们仍然希望从logo中看到精彩的典故，街头艺术就会重新获得人们的亲睐。当设计师想要创造某种新颖的东西，近几年中他们会选择一些时髦的街头艺术风格。

街头艺术是设计师的精神代言人：有些都市化，也有些颠覆性和行动主义倾向。

当鲜明醒目的街头艺术在logo设计中有所体现的时候，只需任由你的思路驰骋：从柏林东部的画廊，到花样繁多的墨尔本，到圣保罗的壁画，到巴西，你会发现街头艺术风格的logo使人如同目击者般对于时间和地点有清晰的印象。

拼图纹样

当人们惊呼：“世界变得疯狂！”我们认为logo也一样。以每天数以千计的速度大量出现的品牌，很明显使得视觉冲击力削弱了。

人们如何弥补这种视觉冲击力的削弱现象呢？

一种方法是让品牌设计师们涉足未知领域，一些他们梦中不可能实现的地方。就好比现在看来是时尚的事物，两年前却绝对不可能实现。

这些拼图纹样不是减少品牌的本质因素而是唤起了整个的故事情节。大部分的图形纹样高度凸显自然，然而这跟自然本身无关，将自然显示于屏幕之上当用机器进行logo设计的时候就是一种趋势潮流了。

相对于深入品牌重要元素这一规则，设计师们却转向运用复杂的矢量图形。他们目前的信条是：“设计没有规则。”字体、样式和图形之间没有规定的但是有技巧性的相互关联。强行规定是不可能的。拼图纹样的任何一部分：动物，字母，植物，徽章或者任意的几何形状，都不加约束。没有人担心含义，因为这种未经约束的？（单词未显示）迎合了严格的装饰效果目的。

目前，拼图纹样是最出色的反公司较量手法。然而在接下来的几年中，当大公司准备进行重新包装的时候，会认为他们绝对需要一些全然不同的感觉，这个时候拼图纹样会成为新的潮流趋势。